Estudió en Estados Unidos y lleva veinte años de trabajo artístico a sus espaldas. Da clase en la Universidad de Cuenca.
Se dió cuenta con el paso del tiempo que las obras que había realizado hace años y sus últimos trabajos, mantenían un diálogo de diferencia. Dándose cuenta de lo dificil que es encontrar un guión de trabajo.
El paso por la UCM, no fue todo lo transcendental en su vida como quería fuese. La universidad de 1970-80 era una universidad machista donde todos eran profesores, nadie debía conversar contigo, se trabajaba con materiales duros y se consideraba que tenías que ser muy habilidoso para seguir adelante en la carrera. Cuando terminó la carrera, salió fuera de España, y gracias a ello continuó con el arte.
Cuando terminó su carrera en España, decidió irse a Estados Unidos donde entró en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Las posibilidades de tener un futuro en el arte eran mayores fuera de España puesto que apostaban por el arte, al contrario que lo que ocurre en nuestro país.
Tuvo oportunidad de entrar en el MOMA, centrándose en que quería trabajar en escultura y restauración. Sus trabajos no eran fijos y sin estudios permanentes ni mucho dinero. Su situación es algo que opina que cualquier joven debería experimentar.
Empezó a crear espacios parecidos a las instalaciones donde intervenía hojas y papel, intentando crear un diálogo con el espacio. Utiliza la fotografía como medio, por lo tanto, no quiere hacerse llamar fotografa. Gracias a la fotografía ha ido documentando instalaciones performáticas que han ido evolucionando. Jugaba mucho con el accidente, detrás de la cámara y delante de ella, dándole igual si intervenía ella misma en sus propias obras.
La frescura de los primeros trabajos no volvieron; por lo que quería jugar con el accidente y la casualidad. El proceso que llevaba era de empezar una idea y acabar con una muy distinta. Solía utilizar naves abandonadas que le resultaban lugares evocadores. Al principio creaba piezas para las paredes y acabó por hacer algo más grande que para que cupiese en una pared. Trabajar para intervenir un espacio crudo con materiales más efímeros.
Influenciada por Ana Mendieta en un momento crucial de su vida. El arte desaparece si hay demasiado intelecto. Todo lo personal es político.
Pero en España esperamos que el artista sea una especie de narrador social, donde debe mover el arte, como lo hace el periodismo. Intervenía acciones con elementos en su propio estudio e inventaba historias. No buscaba la identidad de uno mismo.
El artista debe hacer que la sociedad salga de los estereotipos para que no haya fronteras. Lo que vivía, lo utilizaba para construir imágenes. En cierto modo son trabajos autobiográficos. En un trabajo comenzó a relatar lugares que significaban algo en su vida. Más tarde continuó con la naturaleza muerta desde la fotografía, donde lo único que se anuncia es una belleza casi pecadora.
Empezó a querer salir del retrato de sus primeros trabajos, propios de una instalación, donde le importaba poco aparecer con su identidad. Se acaba dando cuenta que no quiere utilizarse ella misma para sus trabajos sino terceras personas.
Lista de artistas
Conocer artistas te abre el campo del conocimiento. Permite ver lo que se ha inventado, lo que existe y lo que el ser humano es capaz de desarrollar en su mente. Al igual que en cualquier ámbito, se deben conocer algunos artistas imprescindibles tanto en la historia del arte como la influencia que han tenido en el arte, o en su arte.
Duchamp.
Joseph Beuys.
Lucio Fontana.
Louise Borgeois.
Isamu Noguchi.
Marisa González.
Mathew Barney.
Sherrie Levine
Takashi Murakami
Rachel Whiteread
Hernández Pijuan
Sol Lewitt
Isidoro Valcarcel
Agnés Martín
Matta-Clark
Hanne Darboven
Antoni Abad
Marina Núñez
Zhang Huan
Ignasi Aballí
Mariko Mori
Jaume Plensa
Cristina García Rodero
Daniel Canogar
Eulalia Valdosera
Laura Torrado
Pablo Genovés
Isabel Muñoz
Santiago Sierra
Oppenheim
Tomás García Asensio
AES+F
Yayoi Kusama
Ana Laura Aláez
Miss Van
Fontcuberta
Kara Walker
Rafael Lozano Hemmer
Mark Ryden
Tacita Dean
Elena Asins
Agustín Ibarrola
Esther Ferrer
Eugenio Recuenco
David La Chapelle
Michal Rovner
Isidro Ferrer
Cristina Iglesias
Carmen Lafton
Jerónimo Elespe
Pérez Villalta
Chuck Close
Alex Gross
Cristina Lucas
Richard Lord
Nancy Holt
Cindy Sherman
Cristo
Nancy Spero
Damien Hirst
Tracey Emin
Leon Golub
Rineke Dij Kstra
Banksi
Keith Haring
Aziz y Cucher
Kiki Smith
Peter Doig
Pipilotti Rist
Thomas Demand
Hermanos Chapman
Tobias Rehberger
Paul McCarthy
Trabajo de investigación
Un
trabajo de investigación es un estudio acerca de un hecho, físico o social. Las
principales conclusiones se exponen de manera ordenada en un documento. Consiste en buscar una verdad que no está clara. Lo
importante es saber que es lo que quieres buscar; debemos tener una idea de la
que partir.
PORTADA. Sencilla y breve.
RESUMEN
ÍNDICE
Un índice permitirá fijar los puntos concretos se deben tratar.
INTRODUCCIÓN
DESARROLLO
Tomar las referencias de las fuentes correctamente y elaborar una base de datos propia con la documentación que se vaya recogiendo.
-Proceso de recogida de datos y
análisis
-Extraer las
principales conclusiones y relaciónalas con el marco teórico.
HIPÓTESIS.
OBJETIVOS
Los objetivos a cumplir, comprobarlos, explicar qué método se va a usar, cómo y por qué.
ANTECEDENTES
Buscar trabajos de investigación ya realizados con temas
parecidos. Encontrar fuentes fiables como las bibliotecas o Internet. Es
recomendable guardar toda esa información para poder demostrarlo y adjuntarlo a
la bibliografía.
METODOLOGÍA
Para desarrollar la metodología hay que saber qué tipos de metodologías hay y leerse algunos libros para informarse. A continuación, realizar la metodología.
Para desarrollar la metodología hay que saber qué tipos de metodologías hay y leerse algunos libros para informarse. A continuación, realizar la metodología.
TRABAJO DE CAMPO
Metodología que se ha planteado.
ANÁLISIS DE RESULTADOS
Responder en conclusiones los
resultados y a la hipótesis que se plantea.
CONCLUSIONES
CONCLUSIONES
Es el cierre del trabajo, por lo
tanto debe ser breve: reunir las ideas resumidas y en conclusión.
- Ideas que se han sacado de la
elaboración del trabajo.
- Proponer nuevas investigaciones
sobre el tema.
BIBLIOGRAFÍA
Lista con las referencias bibliográficas que se ha utilizado
Niveles Educativos
NIVEL FORMAL
-Educación
inicial. (45 días hasta los 5 años)
-Educación
Primaria. Comienza a partir de los 6 años de edad. Y consta de 6 o de 7 años de
duración.
-Educación
Secundaria son 4 años. Se divide en dos ciclos: un Ciclo Básico y un Ciclo
Orientado.
-Bachillerato.
-Educación
Superior. Universidades e Institutos Universitarios, estatales o privados
autorizados.
¿Cómo entrar en la Universidad?
Existen distintas vías para acceder a la universidad.
- Modulo
-Acceso a la universidad desde Bachiller
-Acceso a la universidad con experiencia laboral
Para
poder acceder a la universidad mediante esta modalidad es imprescindible
cumplir con dos requisitos básicos: ser mayor de 40 años y no estar
posesión de ninguna titulación que habilite para el acceso mediante otra
modalidad.
Las
personas que se acojan a esta fórmula no tendrán que superar ninguna
prueba, sino seguir un procedimiento que incluye una solicitud al rector y una
entrevista personal.
-Acceso a la universidad para mayores de 25 años
-Acceso a
la universidad para mayores de 45 años.
Después
de la carrera
-Máster. Programa de posgrado de uno o dos años de duración.
-Doctorado.
NIVEL NO FORMAL
Estudios que se realizan sin obtener ningún título
del ministerio. Educación invisible/autodidacta.
Conferencia de Bruno Jamaica y Tomoko Hasuwa
Bruno Jamaica
Proyecto de instalación. Quiere crear un espacio donde una escultura se puede tocar utilizando materiales elásticos que permitan que la gente pueda interactuar con ellos. Sus bocetos son parte de origen del dibujo tratando de representar el trazo en el espacio. Modifica las percepciones del espacio y hace que los lugares parezcan más grandes. Realiza sus esculturas con un material flexible.
Otro proyecto que realizó es fuente de la misma idea. Fue su primera intervención en Londres, en una residencia de artistas.
Proyecto en Alemania. Percepción de como el mismo espacio puede cambiar de estructura o percepción. Se encuentra un proceso permanente. Piensa que todo el mundo debe trabajar en lo que hace. Expuso su trabajo en un colectivo donde conoció a otro artista que le interesó lo que hacía. Decidieron juntarse para trabajar juntos. El estaba más basado en algo más clásico, y decidieron hacer una mezcla de estilos.
Cada persona es única en su creación. Es importante esforzarse para que no te rindas. Si trabajas tu obra y no ves que nadie haga lo mismo, es tu única vía de escape descubrir nuevos conceptos.
-A veces, para representar el dibujo, utilizaba el concepto de la línea que señala el camino cuando te pierdes en el bosque.
-La arquitectura le resultó bastante interesante, realizando direcciones en la escultura.
-Hizo intervenciones en la ciudad.
-La poesía está relacionada con el proceso creativo.
Tomoko Hasuwa
Pintura al óleo. A nuestra edad, decidió pintar y especializarse en pintura. Mezcla abstracción y paisaje, buscando una estructura compleja donde las líneas se entrelazan formando un tejido donde puedes encontrar formas humanas.
Cómo ha sobrevivido en Japón desde que salió de la universidad.
2006
- Se gradúa con especialidad en pintura.
-Sale con ganas de hacer cosas pero no tiene dinero.
-No sabe como vender obras y entrar en una galería.
-Empieza a trabajar a tiempo parcial, de tele operadora.
-Vívía en Osaka, que es como para nosotros Barcelona donde consiguió un amplio estudio pagando 400 euros al mes de alquiler.
2009
-Comienza a compartir el estudio con otro estudiante con los mismo intereses. Mueven el estudio a Tokyo donde hay más posibilidades de que puedan conseguir algo más, ya que es el único lugar céntrico donde el arte sobresale algo más que en todo Japón. El estudio que encuentran es más pequeño, más caro y sirve además también, para vivir. Lo malo de este aspecto es que las casas japonesas no tienen paredes para colgar los cuadros debido a que no suelen comprar arte para enseñarlo; no forma parte de su cultura.
Busca un nuevo trabajo como vendedora de productos. Desde su punto de vista, prefiere trabajar en algo no relacionado con el arte para no malgastar ideas. No quiere malgastar ideas hasta que consiga su sueño de vender su obra.
-Empieza a ir a las galerías y la rechazan.
-Desde su punto de vista, hay que hacer las cosas que quieres cuanto antes. No dejar de ir a un mismo sitio sólo porque te hayan rechazado varias veces.
Con el tsunami que aconteció en Japón hace unos años, se planteó que el tiempo es oro.
-El conocimiento del arte en Japón es muy bajo en comparación con Europa.
-Para venir a Europa, ganó un premio con viaje a Londres para hacer un montaje de una exposición. Busca una estancia en los países vecinos, entre ellos España, donde acabó quedándose.
Proyecto de instalación. Quiere crear un espacio donde una escultura se puede tocar utilizando materiales elásticos que permitan que la gente pueda interactuar con ellos. Sus bocetos son parte de origen del dibujo tratando de representar el trazo en el espacio. Modifica las percepciones del espacio y hace que los lugares parezcan más grandes. Realiza sus esculturas con un material flexible.
Otro proyecto que realizó es fuente de la misma idea. Fue su primera intervención en Londres, en una residencia de artistas.
Proyecto en Alemania. Percepción de como el mismo espacio puede cambiar de estructura o percepción. Se encuentra un proceso permanente. Piensa que todo el mundo debe trabajar en lo que hace. Expuso su trabajo en un colectivo donde conoció a otro artista que le interesó lo que hacía. Decidieron juntarse para trabajar juntos. El estaba más basado en algo más clásico, y decidieron hacer una mezcla de estilos.
Cada persona es única en su creación. Es importante esforzarse para que no te rindas. Si trabajas tu obra y no ves que nadie haga lo mismo, es tu única vía de escape descubrir nuevos conceptos.
-A veces, para representar el dibujo, utilizaba el concepto de la línea que señala el camino cuando te pierdes en el bosque.
-La arquitectura le resultó bastante interesante, realizando direcciones en la escultura.
-Hizo intervenciones en la ciudad.
-La poesía está relacionada con el proceso creativo.
Tomoko Hasuwa
Pintura al óleo. A nuestra edad, decidió pintar y especializarse en pintura. Mezcla abstracción y paisaje, buscando una estructura compleja donde las líneas se entrelazan formando un tejido donde puedes encontrar formas humanas.
2006
- Se gradúa con especialidad en pintura.
-Sale con ganas de hacer cosas pero no tiene dinero.
-No sabe como vender obras y entrar en una galería.
-Empieza a trabajar a tiempo parcial, de tele operadora.
-Vívía en Osaka, que es como para nosotros Barcelona donde consiguió un amplio estudio pagando 400 euros al mes de alquiler.
2009
-Comienza a compartir el estudio con otro estudiante con los mismo intereses. Mueven el estudio a Tokyo donde hay más posibilidades de que puedan conseguir algo más, ya que es el único lugar céntrico donde el arte sobresale algo más que en todo Japón. El estudio que encuentran es más pequeño, más caro y sirve además también, para vivir. Lo malo de este aspecto es que las casas japonesas no tienen paredes para colgar los cuadros debido a que no suelen comprar arte para enseñarlo; no forma parte de su cultura.
Busca un nuevo trabajo como vendedora de productos. Desde su punto de vista, prefiere trabajar en algo no relacionado con el arte para no malgastar ideas. No quiere malgastar ideas hasta que consiga su sueño de vender su obra.
-Empieza a ir a las galerías y la rechazan.
-Desde su punto de vista, hay que hacer las cosas que quieres cuanto antes. No dejar de ir a un mismo sitio sólo porque te hayan rechazado varias veces.
Con el tsunami que aconteció en Japón hace unos años, se planteó que el tiempo es oro.
-El conocimiento del arte en Japón es muy bajo en comparación con Europa.
-Para venir a Europa, ganó un premio con viaje a Londres para hacer un montaje de una exposición. Busca una estancia en los países vecinos, entre ellos España, donde acabó quedándose.
Presentaciones pendientes y correciónes del libro
Hoy estuvimos presentando los compañeros que nos faltaban por presentar el ejercicio de elegir un libro sobre la vida. Anteriormente, ya presenté el libro en unas de las entradas de éste blog; Dejame que te cuente...de Jorge Bucay.
Durante el resto de la clase nos dieron indicaciones de lo que nos faltaba por terminar del libro de "¿Qué es Bellas Artes?", teniendo en cuenta que:
-Depende de qué capitulo hagamos debe contener alguna que otra fotografía.
-No haber copiado de ningún otro lugar lo escrito en el capítulo.
-Debe ser más extenso de una página porque para que sea libro debe contener unas 50 páginas.
-Escribir las aportaciones de lo que creemos que se debe mejorar.
Durante el resto de la clase nos dieron indicaciones de lo que nos faltaba por terminar del libro de "¿Qué es Bellas Artes?", teniendo en cuenta que:
-Depende de qué capitulo hagamos debe contener alguna que otra fotografía.
-No haber copiado de ningún otro lugar lo escrito en el capítulo.
-Debe ser más extenso de una página porque para que sea libro debe contener unas 50 páginas.
-Escribir las aportaciones de lo que creemos que se debe mejorar.
Richard Serra Y Andy Goldsworrthy
Artistas que tratan el paisaje.
Richard Serra
Otra forma de entender el paisaje. Land-art, 1939. Se transforma a si misma. Hace que la gente interactúe de otra forma con las obras. Uno de los escultores más importantes de la historia del arte contemporáneo. Nació en San Francisco. Sus estudios estaban enfocados hacia la pintura. Trabaja con materiales industriales como plomo, caucho y acero. Define sus obras en una serie de verbos: desenrollar, combinar, reparar, descartar, emparejar, exceder, etc.
Andy Goldsworthy
Recoge materiales para realizar obras que forman parte de la naturaleza. No pretender mostrar una naturaleza idílica, y ni siquiera trata de que la obra perdure sino que deja que se destruya si ese es su fin.
¿Qué es un Máster? ¿Doctorado? ¿Tesis? ¿Trabajo de investigación?
1.- Máster
La universidad está distribuida en departamentos; hay cinco departamentos que otorgan un máster (Pintura, Escultura, Dibujo 1, Dibujo 2, Didáctica, Sociología, Historia del arte, Artes plásticas y Educación). Es esencial estudiar bien el currículum de cada profesor porque luego te asignan un director.
Hay másters que forman parte de varios lugares. Para presentarse hay que tener unos requisitos:
-Ser licenciado
-Que tu perfil sea aceptado.
-Finalizar los créditos del máster
-Realizar el trabajo del fin del máster.
2.- Tesis
La tesis es un trabajo original que consiste en dar vueltas a una cosa desde distintos enfoques. Se puede conseguir de otra manera a la habitual aunque es más difícil: publicando cuatro artículos en revistas científicas con indice de impacto. Hay que saber manejar un lenguaje científico. Debe estar bien hecho y abalado por alguien que hizo lo mismo.
Revistas científicas con índice de impacto reunidas en formato de investigación. (Arte, individuo y sociedad; Nature; Granada; Salamanca; Arte y Educación.)
La tesis te abre a la docencia y a la investigación. Puedes elegir a dos directores si se quiere, uno perteneciente a la Universidad y otro fuera de ella, pero para ello debe haber una justificación. Conviene seguir una linea ya que da más coherencia. Si sabes qué tesis vas a hacer, es conveniente que formen parte de ella los trabajos que se van haciendo a lo largo del curso para que sea más fácil llevar un proceso.
Fases
-Solicitas un director
-Te admiten
-Haces los cursos
-Director. Puede ser más de uno si tienes buenos contactos.
-Debes tener una idea para el trabajo final, acordándo con el director se trabaja el titulo y los puntos fuertes.
-Se hace la tesis.
-El último proceso es el acto de defensa en el que hay que defender la tesis oralmente ante el consejo durante 45 min. Una vez terminado, cada miembro del tribunal interviene durante 15 min. juzgando las cosas negativas y positivas de la tesis.
-Una vez se ha terminado la defensa de la tesis, se deben hacer inmediatamente los trámites para publicar la tesis en Bibliotecas, universidades, etc.
3.- Doctorado
Dura dos años y no te especializa en nada, aunque es más barato que un máster. Para entrar se pide metodologías de investigación. Vale para ser docente de universidad, te dan un diploma de cursos avanzados. Sus seminarios tienen poca docencia y está poco estructurada. El director no suele atiende al alumno ya que éstos no adquieren ninguna compensación ni académica ni económica. Debe entender el tema, estar a tu disposición, tener tutorías y un compromiso con la universidad.
Diferencias con el Máster:
-Te introducen en un departamento de conocimiento pero no eres magister (maestro en algo)
-¿Cómo entras? Por el currículum / presentar una memoria adecuada al departamento al que te vayas a presentar / nota de corte
-Un año de cursos / Un año de investigación.
Existe lo que se llama "plazas con bicho": esto quiere decir que a veces se bloquean tesis que creen que van a quitar plazas en el mismo departamento. El tribunal es capaz de leer la tesis en busca de errores para poder descalificarla. Por lo tanto, para que no nos pase esto debemos hacer entender que no eres una amenaza. De todas formas, son plazas públicas y libres. Esto se puede denunciar si pasa, les amonestas pero eso no quita que la persona de la tesis no haya salido perjudicada.
4.-Trabajo de investigación
Consiste en buscar una verdad que no está clara. Lo importante es saber que es lo que quieres buscar; debemos tener una idea de la que partir.
Puedes entrar a investigar en un grupo de investigación ya formado, ya que da mucha coherencia puesto que pueden ser doctores que tienen financiación. Es imprescindible presentar tu currículum. No hace falta que tu tesis forme parte de tu propio campo.
-La tesis debe desarrollar un método capaz de que cualquier persona tenga el mismo resultado que tú.
-Buscar si hay tesis iguales que la que tienes pensada hacer.
-En la tesis se suelen encontrar problemas paralelos que pueden distraerte de tu principal objetivo. El director debe dirigirte para que no te despistes.
-Para desarrollar la metodología hay que saber qué tipos de metodologías hay y leerse algunos libros para informarse.
-En el trabajo enuncias unos objetivos para cumplir, comprobarlos, explicar qué método se va a usar, cómo y por qué.
-Realizas la metodología. La redacción del trabajo se hace en "nos" o en "se", y siempre en pasado.
-Análisis de resultados.
-Responder en conclusiones los resultados y a la hipótesis que se plantea.
-Campos que dejas abiertos para futuras investigaciones.
-Capitulo de fuentes documentales.
-Capitulo de referencias, citas y biografía.
La universidad está distribuida en departamentos; hay cinco departamentos que otorgan un máster (Pintura, Escultura, Dibujo 1, Dibujo 2, Didáctica, Sociología, Historia del arte, Artes plásticas y Educación). Es esencial estudiar bien el currículum de cada profesor porque luego te asignan un director.
La duración del máster son dos años: 3.000 euros/anual.
Hay másters que forman parte de varios lugares. Para presentarse hay que tener unos requisitos:
-Ser licenciado
-Que tu perfil sea aceptado.
-Finalizar los créditos del máster
-Realizar el trabajo del fin del máster.
2.- Tesis
La tesis es un trabajo original que consiste en dar vueltas a una cosa desde distintos enfoques. Se puede conseguir de otra manera a la habitual aunque es más difícil: publicando cuatro artículos en revistas científicas con indice de impacto. Hay que saber manejar un lenguaje científico. Debe estar bien hecho y abalado por alguien que hizo lo mismo.
Revistas científicas con índice de impacto reunidas en formato de investigación. (Arte, individuo y sociedad; Nature; Granada; Salamanca; Arte y Educación.)
La tesis te abre a la docencia y a la investigación. Puedes elegir a dos directores si se quiere, uno perteneciente a la Universidad y otro fuera de ella, pero para ello debe haber una justificación. Conviene seguir una linea ya que da más coherencia. Si sabes qué tesis vas a hacer, es conveniente que formen parte de ella los trabajos que se van haciendo a lo largo del curso para que sea más fácil llevar un proceso.
Fases
-Solicitas un director
-Te admiten
-Haces los cursos
-Director. Puede ser más de uno si tienes buenos contactos.
-Debes tener una idea para el trabajo final, acordándo con el director se trabaja el titulo y los puntos fuertes.
-Se hace la tesis.
-El último proceso es el acto de defensa en el que hay que defender la tesis oralmente ante el consejo durante 45 min. Una vez terminado, cada miembro del tribunal interviene durante 15 min. juzgando las cosas negativas y positivas de la tesis.
-Una vez se ha terminado la defensa de la tesis, se deben hacer inmediatamente los trámites para publicar la tesis en Bibliotecas, universidades, etc.
3.- Doctorado
Dura dos años y no te especializa en nada, aunque es más barato que un máster. Para entrar se pide metodologías de investigación. Vale para ser docente de universidad, te dan un diploma de cursos avanzados. Sus seminarios tienen poca docencia y está poco estructurada. El director no suele atiende al alumno ya que éstos no adquieren ninguna compensación ni académica ni económica. Debe entender el tema, estar a tu disposición, tener tutorías y un compromiso con la universidad.
Diferencias con el Máster:
-Te introducen en un departamento de conocimiento pero no eres magister (maestro en algo)
-¿Cómo entras? Por el currículum / presentar una memoria adecuada al departamento al que te vayas a presentar / nota de corte
-Un año de cursos / Un año de investigación.
Existe lo que se llama "plazas con bicho": esto quiere decir que a veces se bloquean tesis que creen que van a quitar plazas en el mismo departamento. El tribunal es capaz de leer la tesis en busca de errores para poder descalificarla. Por lo tanto, para que no nos pase esto debemos hacer entender que no eres una amenaza. De todas formas, son plazas públicas y libres. Esto se puede denunciar si pasa, les amonestas pero eso no quita que la persona de la tesis no haya salido perjudicada.
4.-Trabajo de investigación
Consiste en buscar una verdad que no está clara. Lo importante es saber que es lo que quieres buscar; debemos tener una idea de la que partir.
Puedes entrar a investigar en un grupo de investigación ya formado, ya que da mucha coherencia puesto que pueden ser doctores que tienen financiación. Es imprescindible presentar tu currículum. No hace falta que tu tesis forme parte de tu propio campo.
-La tesis debe desarrollar un método capaz de que cualquier persona tenga el mismo resultado que tú.
-Buscar si hay tesis iguales que la que tienes pensada hacer.
-En la tesis se suelen encontrar problemas paralelos que pueden distraerte de tu principal objetivo. El director debe dirigirte para que no te despistes.
-Para desarrollar la metodología hay que saber qué tipos de metodologías hay y leerse algunos libros para informarse.
-En el trabajo enuncias unos objetivos para cumplir, comprobarlos, explicar qué método se va a usar, cómo y por qué.
-Realizas la metodología. La redacción del trabajo se hace en "nos" o en "se", y siempre en pasado.
-Análisis de resultados.
-Responder en conclusiones los resultados y a la hipótesis que se plantea.
-Campos que dejas abiertos para futuras investigaciones.
-Capitulo de fuentes documentales.
-Capitulo de referencias, citas y biografía.
Salidas profesionales
Durante esta clase nos explicaron qué salidas profesionales había después de la carrera de Bellas Artes; cuales podemos alcanzar y las más generales pero también, posibles. Antes de explicar nada, la profesora nos propuso un ejercicio: indicar cuál es la profesión ideal de cada compañero nuestro, y cuál es la que van a estar desempeñando 10 años más tarde.
IDEAL 10 AÑOS MÁS TARDE
-Pablo: Dibujante de comics / Ilustrador
-David: Dibujante de comics / Dibujante de cómics Audiovisual Diseño gráfico
-Estefania: Profesora / Profesora / Fotografía
-Laura: Fotografía / Publicidad
Esto nos enseña que el futuro lo podemos ver claro para los demás, pero oscuro para nosotros mismos.
De los que hasta ahora se han licenciado en Bellas Artes:
-Un pequeño % vive de pintura, escultura, dibujo y galerías.
-Un % más grande son profesores y venden obra.
-Otro % desempeñan la profesión de dibujantes, en publlicidad, cine, series, animación, diseño en zapatos, diseño en gafas, atrecistas, teatro, música, domótica, ilustración de libros, moda y fotografos.
Lista de salidas de profesionales que se ha dicho en clase:
-Animador digital: se hacen cursos en España pero el foco se encuentra en Londres.
-Animador socio-cultural: arte relacional ubicados en lugares asentados (turístico). En cruceros (bien pagagos); seis meses de trabajo intensivo, 1000 personas de servicio.
-Anticuario; sabe diferenciar lo falso de lo verdadero. Hay que tener agudeza visual.
-Arqueólogo; buenos dibujantes, fotografía.
-Atrecista.
-Ceramista; manualidades y artesanias. Se ha querido separar de Bellas Artes. Se ha perdido la artesania y todo se ha perdido: cesteria, vidrio. Los japoneses intentan que todo sea manual, dando un valor bastante alto a los objetos hechos a mano. La marca HERMES realiza los bolsos a mano, por eso es comercio de lujo. Todo lo que está hecho a mano tiene potencial porque huye de lo repetitivo.
-Comisario de exposiciones.
-Conservador de arte contemporáneo.
-Creativos de historietas.
-Creativos de publicidad.
-Creativo de video-juegos.
-Crítico de arte: hay que saber de mucho. Analistas y teóricos de arte.
-Educador.
-Diseño y elaboración de materiales educativos.
-Decorador.
-Decoración de interiores.
-Dibujantes: para proyectos, diseño/patronaje.
-Director de arte: Es un creativo que gestiona cómo deberían ir las cosas.
-Director de fotografía: calidad de película, luz, ambientación de imagen.
-Diseñador gráfico y especialización.
-Diseñador audiovisuales; publicidad.
-Diseñador de interiores; de muebles.
-Diseñador publicitario; diseño de una campaña.
-Escultor; fuentes, reproducciones, quirófano, tanatorio (tanatomaquillaje), taxidermia, bajorrelieve.
-Escaparatismo; escultura, color y espacio.
-Escenógrafo.
-Fotografía: catálogos, retrato, museo, reproducción, periodista, espia, cadáveres, acción, moda, tejidos, etc.
-Formador de artes plásticas.
-Formador de formadores.
-Galerista.
-Gestor cultural. Inventan y gestionan en una zona cultural.
-Guía y monitor turístico.
-Guía y monitor de museos y exposiciones.
-Maestro de taller de artes plásticas.
-Maquetador.
-Mediador intercultural. Haga de enlace entre culturas.
-Monitor de tiempo libre.
-Montador de exposiciones.
-Museólogo.
-Paisajista. Pintura de paisaje, fondos, museos, recreación, centros de ocio.
-Pintor de brocha gorda.
-Pintor de brocha fina.
-Profesor en enseñanzas artísticas y restauración.
-Técnico de desarrollo y mantenimiento web.
-Técnico de storyboard.
-Subastador.
-Tasador de obras de arte.
-Ilustrador de libros y cuentos.
IDEAL 10 AÑOS MÁS TARDE
-Pablo: Dibujante de comics / Ilustrador
-David: Dibujante de comics / Dibujante de cómics Audiovisual Diseño gráfico
-Estefania: Profesora / Profesora / Fotografía
-Laura: Fotografía / Publicidad
Esto nos enseña que el futuro lo podemos ver claro para los demás, pero oscuro para nosotros mismos.
De los que hasta ahora se han licenciado en Bellas Artes:
-Un pequeño % vive de pintura, escultura, dibujo y galerías.
-Un % más grande son profesores y venden obra.
-Otro % desempeñan la profesión de dibujantes, en publlicidad, cine, series, animación, diseño en zapatos, diseño en gafas, atrecistas, teatro, música, domótica, ilustración de libros, moda y fotografos.
Lista de salidas de profesionales que se ha dicho en clase:
-Animador digital: se hacen cursos en España pero el foco se encuentra en Londres.
-Animador socio-cultural: arte relacional ubicados en lugares asentados (turístico). En cruceros (bien pagagos); seis meses de trabajo intensivo, 1000 personas de servicio.
-Anticuario; sabe diferenciar lo falso de lo verdadero. Hay que tener agudeza visual.
-Arqueólogo; buenos dibujantes, fotografía.
-Atrecista.
-Ceramista; manualidades y artesanias. Se ha querido separar de Bellas Artes. Se ha perdido la artesania y todo se ha perdido: cesteria, vidrio. Los japoneses intentan que todo sea manual, dando un valor bastante alto a los objetos hechos a mano. La marca HERMES realiza los bolsos a mano, por eso es comercio de lujo. Todo lo que está hecho a mano tiene potencial porque huye de lo repetitivo.
-Comisario de exposiciones.
-Conservador de arte contemporáneo.
-Creativos de historietas.
-Creativos de publicidad.
-Creativo de video-juegos.
-Crítico de arte: hay que saber de mucho. Analistas y teóricos de arte.
-Educador.
-Diseño y elaboración de materiales educativos.
-Decorador.
-Decoración de interiores.
-Dibujantes: para proyectos, diseño/patronaje.
-Director de arte: Es un creativo que gestiona cómo deberían ir las cosas.
-Director de fotografía: calidad de película, luz, ambientación de imagen.
-Diseñador gráfico y especialización.
-Diseñador audiovisuales; publicidad.
-Diseñador de interiores; de muebles.
-Diseñador publicitario; diseño de una campaña.
-Escultor; fuentes, reproducciones, quirófano, tanatorio (tanatomaquillaje), taxidermia, bajorrelieve.
-Escaparatismo; escultura, color y espacio.
-Escenógrafo.
-Fotografía: catálogos, retrato, museo, reproducción, periodista, espia, cadáveres, acción, moda, tejidos, etc.
-Formador de artes plásticas.
-Formador de formadores.
-Galerista.
-Gestor cultural. Inventan y gestionan en una zona cultural.
-Guía y monitor turístico.
-Guía y monitor de museos y exposiciones.
-Maestro de taller de artes plásticas.
-Maquetador.
-Mediador intercultural. Haga de enlace entre culturas.
-Monitor de tiempo libre.
-Montador de exposiciones.
-Museólogo.
-Paisajista. Pintura de paisaje, fondos, museos, recreación, centros de ocio.
-Pintor de brocha gorda.
-Pintor de brocha fina.
-Profesor en enseñanzas artísticas y restauración.
-Técnico de desarrollo y mantenimiento web.
-Técnico de storyboard.
-Subastador.
-Tasador de obras de arte.
-Ilustrador de libros y cuentos.
Unidad Didáctica - ¿Cómo hacer un cómic?
Las unidades didácticas pueden durar una o más sesiones de trabajo. Es un modelo donde se va a enseñar algo, un tema en concreto y en este caso, se va a exponer cómo hacer un cómic. También mostraré los pasos que debemos tener en cuenta para hacer un buen taller.
1. Público. Se piensa a quién se va a impartir el taller. Es recomendable que sea a un público objetivo, un grupo hetereogéneo donde puedes encontrarte con personas desde 7-60 años, con niveles culturales bajos, ideologías diferentes, etc. El objetivo debe ser muy variado para que tenga alcance a todos. Debe ser un taller que sea un reto para los de un nivel más alto y fácil para los de nivel bajo, fácil.
2. Lugar. Dónde va a tener lugar.
3. Nombre de la unidad didáctica. ¿Cómo hacer un Cómic?
4. Descripción sencilla. Desarrollo de taller tanto práctico como teórico donde se aprenderá las principales pautas para saber cómo hacer un comic, desarrollando las ideas de las que se van a hablar, los objetivos que se van a llevar a cabo, etc.
5. Objetivos.
Del alumno:
-Saber cómo contar una historia mediante imágenes.
-Mostrar la presentación y los margenes del comic deben ayudar a una correcta lectura del comic.
-Saber qué se va a dibujar en una página, ayudándote con un guión previo y estableciendo una serie de divisiones en la hoja.
-Realizar primero un comic mediante bocetos, sabiendo qué se va a dibujar en cada página y cómo se va a dibujar.
-Tener clarificada la historia que se quiere dibujar.
-Coherencia y correcta relación entre las viñetas.
-Saber qué importancia tiene el texto en el dibujo.
-Importancia del color en el comic y si es necesario o no.
-Aprender a manejar los materiales de dibujo.
Del profesor:
-Saber explicar los contenidos de manera coherente y fáciles de comprender.
-Mostrar de manera clara las pautas que se va a seguir en cada momento.
-Controlar el tiempo en el que debe impartir cada cosa.
-Haber tenido una mínima formación en cuanto a lo que se refiere el diseño gráfico o el cómic.
6. Contenidos.
Este taller va a comenzar con una breve presentación sobre qué es lo que se piensa que es un comic, si es necesario saber dibujar para saber hacer un comic, etc.
A continuación se planteará un breve ejercicio: a partir de una frase se dibujará de manera bocetada en una hoja, siguiendo cada uno sus propias pautas y buscando un primer contacto que permita que entiendan de que se está hablando realmente y en qué consiste el taller. Se pondrán en común la práctica realizada para que cada uno encuentre sus puntos débiles.
Habrá una puesta en común sobre el trabajo práctico.
En la siguiente sesión se dará una teórica de una hora y media, donde se hablará sobre las pautas de cómo hacer un cómic:
-Idea principal. Género, formato, personajes (encaje, volumen, anatomía y vestuario) y público al que va dirigido.
-Historia del comic.
-Colorear. (Opcional)
-Rotular. Existen dos opciones: a mano o a ordenador.
-Imprimir. O escanear. Puedes o colgarlo en internet o acudir a una copistería.
En última hora y media, habrá una práctica que consistirá en la creación de la ficha del comic deseado: hablando de su trama, sus respectivos personajes, qué estilo se quiere seguir, etc. Esta práctica es en parte autoevaluativa, de manera que sirve al alumno a que pueda continuar haciendo su comic con las pautas aprendidas en el taller.
7. Temporalización. El taller se dividirá en dos sesiones de tres horas. La primera sesión constará de una presentación de 1 hora, una pequeña práctica de 1 horas y una puesta en común de la práctica de 1 horas. La segunda sesión se dividirá en una teórica de una hora y media y una práctica del mismo tiempo.
8. Actividades. No se van a realizar actividades fuera del aula.
9. Metodología. Clase magistral, puesta en común y taller.
10. Medios. Se utilizara un proyector para la presentación, papel DIN-A4 y lápices.
11. Evaluación.
Para evaluar al profesor se debe tener en cuenta:
-Sus explicaciones deben ser coherentes y fáciles de comprender.
-Dar la clase de una manera activa y dinámica.
-Saber equilibrar una clase entre teoría y práctica.
-Disposición a aclarar dudas en cualquier momento.
-Actitud positiva, para motivar a los alumnos.
Para evaluar el curso en general:
-Saber si ha habido un avance.
-Comprobar si lo que se realiza durante el curso lleva un ritmo adecuado, no se torna repetitivo, etc.
-Aspectos que se pueden mejorar.
Para evaluar a los alumnos:
-Debe estar atento al profesor en todo momento.
-Cumplir las pautas que da el profesor.
-Haber aprendido algo en el taller.
-Comparar la primera con la segunda práctica, de manera que debe de haber un progreso palpable.
-Querer aprender.
-Verificar si ha habido problemas en el desarrollo de las prácticas.
2. Lugar. Dónde va a tener lugar.
3. Nombre de la unidad didáctica. ¿Cómo hacer un Cómic?
4. Descripción sencilla. Desarrollo de taller tanto práctico como teórico donde se aprenderá las principales pautas para saber cómo hacer un comic, desarrollando las ideas de las que se van a hablar, los objetivos que se van a llevar a cabo, etc.
5. Objetivos.
Del alumno:
-Saber cómo contar una historia mediante imágenes.
-Mostrar la presentación y los margenes del comic deben ayudar a una correcta lectura del comic.
-Saber qué se va a dibujar en una página, ayudándote con un guión previo y estableciendo una serie de divisiones en la hoja.
-Realizar primero un comic mediante bocetos, sabiendo qué se va a dibujar en cada página y cómo se va a dibujar.
-Tener clarificada la historia que se quiere dibujar.
-Coherencia y correcta relación entre las viñetas.
-Saber qué importancia tiene el texto en el dibujo.
-Importancia del color en el comic y si es necesario o no.
-Aprender a manejar los materiales de dibujo.
Del profesor:
-Saber explicar los contenidos de manera coherente y fáciles de comprender.
-Mostrar de manera clara las pautas que se va a seguir en cada momento.
-Controlar el tiempo en el que debe impartir cada cosa.
-Haber tenido una mínima formación en cuanto a lo que se refiere el diseño gráfico o el cómic.
6. Contenidos.
Este taller va a comenzar con una breve presentación sobre qué es lo que se piensa que es un comic, si es necesario saber dibujar para saber hacer un comic, etc.
Habrá una puesta en común sobre el trabajo práctico.
En la siguiente sesión se dará una teórica de una hora y media, donde se hablará sobre las pautas de cómo hacer un cómic:
-Historia del comic.
-Creación del comic. Bocetear las viñetas, composiciones coherentes y saber si se debe prescindir de alguna viñeta.
-Entintar. Textura, profundidad, vista dimensional. -Rotular. Existen dos opciones: a mano o a ordenador.
En última hora y media, habrá una práctica que consistirá en la creación de la ficha del comic deseado: hablando de su trama, sus respectivos personajes, qué estilo se quiere seguir, etc. Esta práctica es en parte autoevaluativa, de manera que sirve al alumno a que pueda continuar haciendo su comic con las pautas aprendidas en el taller.
7. Temporalización. El taller se dividirá en dos sesiones de tres horas. La primera sesión constará de una presentación de 1 hora, una pequeña práctica de 1 horas y una puesta en común de la práctica de 1 horas. La segunda sesión se dividirá en una teórica de una hora y media y una práctica del mismo tiempo.
8. Actividades. No se van a realizar actividades fuera del aula.
9. Metodología. Clase magistral, puesta en común y taller.
10. Medios. Se utilizara un proyector para la presentación, papel DIN-A4 y lápices.
11. Evaluación.
Para evaluar al profesor se debe tener en cuenta:
-Sus explicaciones deben ser coherentes y fáciles de comprender.
-Dar la clase de una manera activa y dinámica.
-Saber equilibrar una clase entre teoría y práctica.
-Disposición a aclarar dudas en cualquier momento.
-Actitud positiva, para motivar a los alumnos.
Para evaluar el curso en general:
-Saber si ha habido un avance.
-Comprobar si lo que se realiza durante el curso lleva un ritmo adecuado, no se torna repetitivo, etc.
-Aspectos que se pueden mejorar.
Para evaluar a los alumnos:
-Debe estar atento al profesor en todo momento.
-Cumplir las pautas que da el profesor.
-Haber aprendido algo en el taller.
-Comparar la primera con la segunda práctica, de manera que debe de haber un progreso palpable.
-Querer aprender.
-Verificar si ha habido problemas en el desarrollo de las prácticas.
Jill Greenberg
Artista y fotógrafa canadiense. Nació en Montreal pero se crío en Detroit, Estados Unidos. Estudio Bellas Artes y se licenció con muy buenas notas. Posteriormente se fue a vivir a Nueva York para forjar su carrera en la fotografía. Más tarde se mudó a Los Ángeles donde conoció su marido Robert.
Seleccionada por la revista Photo para representar a uno de los cuarenta fotógrafos más importantes en la edición de su cuadragésimo aniversario. Ha realizado trabajos comerciales para corporaciones como Microsoft, Polaroid, Disney, etc.
Creó muchas críticas con sus trabajos artísticos, entre ellos la serie fotográfica "End Times" donde retrata a niños llorando. La artista
trataba de expresar la frustración por la administración de George W. Bush aunque personalmente pienso que no transmite eso. El
método para hacerlos llorar consistía en ofrecerles caramelos y luego quitárselos, criticando su manera antiética de hacer las cosas.
Por si alguien está interesado en este tipo de fotógrafos del agua, les dejo este par de artistas que personalmente son para mi, un tesoro.
Elena Kalis: http://www.elenakalisphoto.com/
Zena Holloway: http://www.zenaholloway.com/
¿Cómo hacer una clase?
El libro estará en Internet, y será escrito con el fin de que pueda acudir cualquiera a él.
Hace poco vi una imagen en una página muy conocida llamada cuantarazón que me recordó a este debate y que describe de manera bastante clara qué es lo que la gente piensa del mundo del arte en la escuela y la Universidad.
Personalmente, he pasado por situaciones que me llevan a decir que este cartel no habla sobre conjeturas sino sobre la realidad que se palpa en nuestra sociedad.
Mi parte en el libro se va a consistir en hablar sobre la estructura de la carrera de Bellas Artes; cuantos años duran, que tipo de asignaturas hay y qué se busca aprender en cada año. Aunque no está del todo corregida, la dejo colgada para que la gente pueda leerlo más detenidamente y ayudarme a buscarle los puntos flacos.
Mi parte en el libro se va a consistir en hablar sobre la estructura de la carrera de Bellas Artes; cuantos años duran, que tipo de asignaturas hay y qué se busca aprender en cada año. Aunque no está del todo corregida, la dejo colgada para que la gente pueda leerlo más detenidamente y ayudarme a buscarle los puntos flacos.
Presentación de un libro
Jorge Bucay
Dejame que te cuente...
Se nos propuso hacer un ejercicio donde cada uno de nosotros debemos exponer un libro que nos haya influenciado a lo largo de nuestra vida o del que hemos aprendido algo. Sin saber muy bien cuál elegir, se me ocurrió presentar un libro bastante inocente y fácil de leer, llamado "Déjame que te cuente..." de Jorge Bucay.
Dejame que te cuente...
Se nos propuso hacer un ejercicio donde cada uno de nosotros debemos exponer un libro que nos haya influenciado a lo largo de nuestra vida o del que hemos aprendido algo. Sin saber muy bien cuál elegir, se me ocurrió presentar un libro bastante inocente y fácil de leer, llamado "Déjame que te cuente..." de Jorge Bucay.
Ser y Tener de Nicolas Philibert
Es una película de carácter documental que muestra la vida real en un pueblo francés, de un profesor que se dedica a dar clases a alumnos de distintas edades. Es una persona paciente con los niños y se hace con el respecto de todos, transmitiéndoles una serie de valores con la ayuda de las familias de cada uno de los niños.
El documental nos muestran momentos en los que los niños aprenden junto con el profesor, hablan con sus compañeros y muestran el tipo de educación que tanto el profesor como la familia les están dando. Lo que se muestra es una educación muy sana donde se ve cómo los niños se desenvuelven en clase con madurez y la inocencia de su propia edad. Hay momentos en los que cuentan sus sueños y otros opinan de lo que cuentan los demás. Se ve como realizan los dictados, como se colocan en su sitio sin hacer ruido. El profesor les guía en el aprendizaje tanto personal como académico.
Les enseña que deben terminar las cosas que han dejado a la mitad, y se lo dice de una manera que el niño lo puede comprender sin ser reñido. Los niños son conscientes de que deben hacer su trabajo con su maestro y que hay que escucharle y aprender de él. Saben que el profesor es la figura que manda en clase y que cuando ellos sean adultos podrán educar a sus hijos. No se burlan de los errores de los demás y ayudan a los que no saben.
El profesor sabe desenvolverse en una situación difícil, como por ejemplo una pelea entre dos niños. Intenta que hablen las cosas y ver el origen del problema para que se den cuenta por ellos mismos que es dañino para los dos y que detrás de cada acción hay un motivo.
El profesor cuenta como su padre era campesino y como lucho por ser alguien. Su madre, española y procedente de Andalucía, se vió obligada a emigrar a Francia. Personalmente, él vió como desde pequeño tenía vocación para ser profesor puesto que de pequeño daba clase a los que eran más pequeños que él.
¿Ésta enseñanza se puede aplicar en la universidad?
La enseñanza siempre se puede mejorar pero eso conllevaría muchos años de mejora en la educación. Si ni siquiera en la educación primaria un profesor sabe darle valores a un niño, no nos podemos esperar que nuestra universidad pueda evolucionar lo que la educación pre escolar no está haciendo. Para que la universidad pueda tener una enseñanza ideal, se debería empezar por el principio, desde que los niños empiezan a socializarse en el colegio.
Códigos deontológicos
1.-Respeto a la libertad de creación y expresión.
Es inconstitucional y se puede denunciar. Ocurre con frecuencia y debe estar presente en la relación con los coleccionistas. El comisario se vuelve demasiado protagonista con respecto al artista, y éste primero suele influir en la obra. El coleccionista indica al artista qué tiene que hacer y cómo. Ningún mediador puede modificar la obra sin el permito de su autor.
2.-Derechos morales del artista.
Se mantiene, a pesar de que haya vendido sus obras. El artista puede decidir sobre su obra aunque sea de otra persona; no pueden manipularla sin su consentimiento. Se puede vender la obra pero no difundirla.El artista es el que tiene más derecho a saber qué va a ser de la obra.
Nos contaron el ejemplo de cuando surgieron obras falsas de Miró. Éste pensó que era para bien porque de esa manera toda la gente pensaría que todos los cuadros malos serían de los falsificadores mientras que todos los buenos serían considerados los originales.
3.- Confianza, lealtad y transparencia. Debe haber confianza mutua entre artista y mediador; no se debería ocultar información. VEGAP, es condiserada la policia de las imagenes y es de gran ayuda para cuando tenemos problemas de difusión sin autorización. Cada vez que se usen imágenes de un artista, éste debe ser pagado por ello.
4.-Difusión de la obra del artista. Es responsable del mediador que haya una correcta difusión y deberá facilitar la información.
5.-Contrato por escrito. Relaciones reguladas por un contrato por escrito. Deben estar todo detallado para que luego no se produzcan errores ni malentendidos. Hay que hablar claro de como quieres que se manipule tu obra ya que de no hacerlo pueden surgir problemas. Si es obra única suele estar prohibido hacerle fotos, y eso nos da a entender que hay que pensar en muchas cosas para poder mostrar tu obra de manera que no existan posibilidades de que se aprovechen de tu trabajo.
6.-Cumplimiento de los derechos económicos del artista. Pueden ser gestionados por mediadores o distribuidoras. En este caso, se nos contó el ejemplo de una galerista japonesa que vendía las obras de sus respectivos artistas a un precio máximo de 6.000 euros. Estos artistas ya no podían vender sus obras a menos precio de lo que esta galerista las vendía. Por lo tanto estaban a merced de unas condiciones que en un primer momento podían parecer atractivas pero que finalmente acaban destruyendo la carrera de un artista y no permitirle evolucionar.
Es mejor no meterse en cosas que no seamos fáciles de controlar.
Es inconstitucional y se puede denunciar. Ocurre con frecuencia y debe estar presente en la relación con los coleccionistas. El comisario se vuelve demasiado protagonista con respecto al artista, y éste primero suele influir en la obra. El coleccionista indica al artista qué tiene que hacer y cómo. Ningún mediador puede modificar la obra sin el permito de su autor.
2.-Derechos morales del artista.
Se mantiene, a pesar de que haya vendido sus obras. El artista puede decidir sobre su obra aunque sea de otra persona; no pueden manipularla sin su consentimiento. Se puede vender la obra pero no difundirla.El artista es el que tiene más derecho a saber qué va a ser de la obra.
Nos contaron el ejemplo de cuando surgieron obras falsas de Miró. Éste pensó que era para bien porque de esa manera toda la gente pensaría que todos los cuadros malos serían de los falsificadores mientras que todos los buenos serían considerados los originales.
3.- Confianza, lealtad y transparencia. Debe haber confianza mutua entre artista y mediador; no se debería ocultar información. VEGAP, es condiserada la policia de las imagenes y es de gran ayuda para cuando tenemos problemas de difusión sin autorización. Cada vez que se usen imágenes de un artista, éste debe ser pagado por ello.
4.-Difusión de la obra del artista. Es responsable del mediador que haya una correcta difusión y deberá facilitar la información.
5.-Contrato por escrito. Relaciones reguladas por un contrato por escrito. Deben estar todo detallado para que luego no se produzcan errores ni malentendidos. Hay que hablar claro de como quieres que se manipule tu obra ya que de no hacerlo pueden surgir problemas. Si es obra única suele estar prohibido hacerle fotos, y eso nos da a entender que hay que pensar en muchas cosas para poder mostrar tu obra de manera que no existan posibilidades de que se aprovechen de tu trabajo.
6.-Cumplimiento de los derechos económicos del artista. Pueden ser gestionados por mediadores o distribuidoras. En este caso, se nos contó el ejemplo de una galerista japonesa que vendía las obras de sus respectivos artistas a un precio máximo de 6.000 euros. Estos artistas ya no podían vender sus obras a menos precio de lo que esta galerista las vendía. Por lo tanto estaban a merced de unas condiciones que en un primer momento podían parecer atractivas pero que finalmente acaban destruyendo la carrera de un artista y no permitirle evolucionar.
Es mejor no meterse en cosas que no seamos fáciles de controlar.
El papel del artista en la Sociedad
Albert Camus. 1913 /1960.
Premio Nobel de Literatura 1957.-
Resumen
El artista ocupaba un lugar entre la gente, ayudando a que todo fuese más ameno quizás. Hoy en día el artista se juega su propio oficio, si es lo suficientemente fuerte para que alguien lo oiga o si es lo suficientemente bueno para que la gente entienda lo que hace. El artista pone en juicio el arte atacando la fe del artista en si mismo. Casi siempre nos avergonzamos de nuestro privilegio de crear arte por el simple hecho de que es un lujo. En todo caso, si es así será porque el arte quiere aceptarlo de esa manera. Se pide que el arte sea igual para todos pero sea único a la vez. A pesar de que el arte depende de la realidad y viceversa, éste primero se propone dar otro punto de vista a la realidad.
No consiste en saber si el arte debe huir de lo real o someterse a ello sino saber qué cantidad de realidad guarda una obra.
-Reportaje Arte y Sociedad.
El arte clásico es algo que se refiere a la divinidad. El arte moderno es nuestra versión del oráculo de Delfos. ¿Somos un simple rectángulo rojo? El arte tiene recuerdos propios de si mismo, nos hace sentir escalofrios y emoción cuando muestra el pasado. Pero el arte cambia, con el siglo XIX, el hombre se alega de la naturaleza y las maquinas empiezan a dominar el mundo. La ciencia comienza a cuestionar la religión, la vida moderna. Cuando tenemos libertad para ser lo que queremos nos cuesta adivinar qué somos. La vida en un presente incierto (¿vamos por buen camino o no?)
El arte y la civilización. Ya no hay un código moral y es lo que nos refleja. ¿Podemos asimilar todo eso? Es lo que nos quiere decir el arte de nuestra época.
Hace 100 años se rompió algo que ya no puede recomponerse, no hay un código único, y lo que nos domina es la incertidumbre. Esta es la sociedad cambiada y definida por el cambio constantemente con la rareza. El arte de pasado tenía grandes aspiraziones en vez de plantear críticas. La oscuridad se ha hecho glamurosa ¿Qué expresa? No Pretendían asombro sino interés por la forma; formamos parte de una cultura de masas.
El guernica es la representación del arte luchando contra la guerra, donde se expresa la naturaleza de la realidad con imagenes primitivas. Surge el cubismo, donde todo el es relativo. El arte abstracto deja de un lado las apariencias superficiales, se deja atrás. Nos piden que veamos más allá de las apariencias y las ilusiones. El artista abstracto dice que un cuadro es un experimento con final abierto y que es como "sacar la línea a pasear"
Aparece el Pop-art, que nos refleja nuestra propia ilusión sobre nosotros mismos. Son artistas que no están cansados de su difusión y no se sabe cuál es su emoción. Cuestionan la sociedad, maldiciéndola. Al contrario, el arte conceptual, nos hace que pensemos en lo que tratamos de no pensar.
Hoy en día, sólo prima el mercantilismo, vinculado al consumo y a adormecernos. Somos lo uqe el consumismo dice que somos, puesto que los modelos de la autoridad han cambiado.
Reportaje. La burbuja del arte contemporáneo.
El peso que tienen los intelectuales en Mexico, la política se somete a ellos. En este caso, se está hablando de los historiadores de arte. Es muy importante el puesto de los intelectuales en México. Nos enseñan a pensar más por nosotros mismos.
Mantener contenta la población intelectual. Ha manejado siempre el dinero. Como un estrato su dinero y le interesa quitar la estructura de poder. Los historiadores del arte están ligados al Estado. Se desmontará: vamos a tener que hacer la historia del arte". Nor sirven estos conceptos, sirvió para crear el estado de noción del gobierno mexicano. La cultura sobrevive por un interés político y de prestigio. El problema que llega un momento es que no se puede desprenderse de su objetivo presencial y se está sucediendo un lento desarrollo del arte.
Imagen mediática. Los intelectuales están viviendo en otro mundo, más separados de la realidad; son muy marginales. Han estado alimentando la idea nacionalista, apoyadas por una institución que no está ligafa a las tradiciones universitarias.
Las caracteristicas son postcoloniales; estar circunscritos a seguir produciendo la ideología del estado de la nación, y ello implica aceptar.
Premio Nobel de Literatura 1957.-
Resumen
El artista ocupaba un lugar entre la gente, ayudando a que todo fuese más ameno quizás. Hoy en día el artista se juega su propio oficio, si es lo suficientemente fuerte para que alguien lo oiga o si es lo suficientemente bueno para que la gente entienda lo que hace. El artista pone en juicio el arte atacando la fe del artista en si mismo. Casi siempre nos avergonzamos de nuestro privilegio de crear arte por el simple hecho de que es un lujo. En todo caso, si es así será porque el arte quiere aceptarlo de esa manera. Se pide que el arte sea igual para todos pero sea único a la vez. A pesar de que el arte depende de la realidad y viceversa, éste primero se propone dar otro punto de vista a la realidad.
No consiste en saber si el arte debe huir de lo real o someterse a ello sino saber qué cantidad de realidad guarda una obra.
El arte vive de las coacciones que él mismo se impone, muere por obra de los demás.
-Reportaje Arte y Sociedad.
El arte clásico es algo que se refiere a la divinidad. El arte moderno es nuestra versión del oráculo de Delfos. ¿Somos un simple rectángulo rojo? El arte tiene recuerdos propios de si mismo, nos hace sentir escalofrios y emoción cuando muestra el pasado. Pero el arte cambia, con el siglo XIX, el hombre se alega de la naturaleza y las maquinas empiezan a dominar el mundo. La ciencia comienza a cuestionar la religión, la vida moderna. Cuando tenemos libertad para ser lo que queremos nos cuesta adivinar qué somos. La vida en un presente incierto (¿vamos por buen camino o no?)
El arte y la civilización. Ya no hay un código moral y es lo que nos refleja. ¿Podemos asimilar todo eso? Es lo que nos quiere decir el arte de nuestra época.
Hace 100 años se rompió algo que ya no puede recomponerse, no hay un código único, y lo que nos domina es la incertidumbre. Esta es la sociedad cambiada y definida por el cambio constantemente con la rareza. El arte de pasado tenía grandes aspiraziones en vez de plantear críticas. La oscuridad se ha hecho glamurosa ¿Qué expresa? No Pretendían asombro sino interés por la forma; formamos parte de una cultura de masas.
A partir de aquí, surge Picasso, que produjo una ruptura contra la cultura de masas donde "todo estaba fuera de su sitio". Pronto recibió ataques del nazismo en los 30, donde acaban con la crítica constante y empieza el totalitarismo. - "culpad de la injusticia al arte". La vida moderna comienza a verse como algo que no es puro, que no dura ni podemos estar seguros de lo que somos.
ARTE ABSTRACTO - ARTE CLÁSICO
MUNDO REAL - FANTASÍA
El guernica es la representación del arte luchando contra la guerra, donde se expresa la naturaleza de la realidad con imagenes primitivas. Surge el cubismo, donde todo el es relativo. El arte abstracto deja de un lado las apariencias superficiales, se deja atrás. Nos piden que veamos más allá de las apariencias y las ilusiones. El artista abstracto dice que un cuadro es un experimento con final abierto y que es como "sacar la línea a pasear"
Aparece el Pop-art, que nos refleja nuestra propia ilusión sobre nosotros mismos. Son artistas que no están cansados de su difusión y no se sabe cuál es su emoción. Cuestionan la sociedad, maldiciéndola. Al contrario, el arte conceptual, nos hace que pensemos en lo que tratamos de no pensar.
Hoy en día, sólo prima el mercantilismo, vinculado al consumo y a adormecernos. Somos lo uqe el consumismo dice que somos, puesto que los modelos de la autoridad han cambiado.
Reportaje. La burbuja del arte contemporáneo.
El peso que tienen los intelectuales en Mexico, la política se somete a ellos. En este caso, se está hablando de los historiadores de arte. Es muy importante el puesto de los intelectuales en México. Nos enseñan a pensar más por nosotros mismos.
Mantener contenta la población intelectual. Ha manejado siempre el dinero. Como un estrato su dinero y le interesa quitar la estructura de poder. Los historiadores del arte están ligados al Estado. Se desmontará: vamos a tener que hacer la historia del arte". Nor sirven estos conceptos, sirvió para crear el estado de noción del gobierno mexicano. La cultura sobrevive por un interés político y de prestigio. El problema que llega un momento es que no se puede desprenderse de su objetivo presencial y se está sucediendo un lento desarrollo del arte.
Imagen mediática. Los intelectuales están viviendo en otro mundo, más separados de la realidad; son muy marginales. Han estado alimentando la idea nacionalista, apoyadas por una institución que no está ligafa a las tradiciones universitarias.
Las caracteristicas son postcoloniales; estar circunscritos a seguir produciendo la ideología del estado de la nación, y ello implica aceptar.
Conferencia "Diseño de Juegos"
Diseño de Juegos en la Facultad de Bellas Artes
La conferencia nos la concede Lara Coterón; Doctora en Bellas Artes por la UCM con una tesis a sus espaldas. Imparte clases sobre el tema en ESNE, y es colaboradora del Programa de Doctorado BBAA UCM. (actividades culturales)
¿POR QUE ESTOY AQUÍ? Fue la segunda pregunta que formuló Lara Coterón, para contarnos toda la historia de los videojuegos. Una conferencia que trata este tema desde un punto de vista objetivo y teórico, dándonos diferentes perceptivas de lo que puede considerarse un juego y como ha ido evolucionando hasta nuestra época.
Desde el 2008 es fundadora de un colectivo artístico. Gameformance - trataba de un teatro interactivo que funcionaba con la interpretación real de una actriz con la habilidad de improvisar, adaptando una pieza a un público infantil o a cualquier tipo de público.
Mata la reina - es un colaborativo de estrategia y exploración de teatro en primera persona pensado para muchas personas pero que según se iba completando era más difícil desarrollarlo.
Uno de los problemas que tenemos los que contamos con una lincenciatura de BBAA es que para entrar en el mundo del videojuego necesitaríamos ser grafistas. Sin embargo creo que durante la carrera aprendemos lo suficiente como para dar cosas positivas a este tipo de diseño.
Autores de reflexión sobre los videojuegos.
-Huizinga.
1 Jugar es una actividad libre separada de nuestra vida cotidiana.
2 Jugar nos posiciona en una coordinadas espacio-temporales inciertas.
3 El acto de jugar nunca se lleva a cabo como interactuación lucrativa.
-Sociólogo Roger Caillois. Hace una diferencia entre "game" y "play". Existen cuatro categorías de juego.
AGON: factor de la competitividad.
ALEA: factor del azar (piedra papel y tijera)
ILINK: Infantiles (wipe out)
MIMICRU: Adaptación de roles o cosdplay.
-Brian Button Smita. Está centrado en juegos tradicionales muy vinculados a lo educativo; entrenamiento militar o propósitos utilitarios.
Todo el mundo ha llegado a jugar alguna vez a algo. También se encuentran los juegos independientes que no tienen el apoyo financiero de una distribuidora como por ejemplo; Amnesia o Minecraft.
La conferencia nos la concede Lara Coterón; Doctora en Bellas Artes por la UCM con una tesis a sus espaldas. Imparte clases sobre el tema en ESNE, y es colaboradora del Programa de Doctorado BBAA UCM. (actividades culturales)
laracoteron.wordpress.com
¿POR QUE ESTOY AQUÍ? Fue la segunda pregunta que formuló Lara Coterón, para contarnos toda la historia de los videojuegos. Una conferencia que trata este tema desde un punto de vista objetivo y teórico, dándonos diferentes perceptivas de lo que puede considerarse un juego y como ha ido evolucionando hasta nuestra época.
Desde el 2008 es fundadora de un colectivo artístico. Gameformance - trataba de un teatro interactivo que funcionaba con la interpretación real de una actriz con la habilidad de improvisar, adaptando una pieza a un público infantil o a cualquier tipo de público.
Mata la reina - es un colaborativo de estrategia y exploración de teatro en primera persona pensado para muchas personas pero que según se iba completando era más difícil desarrollarlo.
Uno de los problemas que tenemos los que contamos con una lincenciatura de BBAA es que para entrar en el mundo del videojuego necesitaríamos ser grafistas. Sin embargo creo que durante la carrera aprendemos lo suficiente como para dar cosas positivas a este tipo de diseño.
Autores de reflexión sobre los videojuegos.
-Huizinga.
1 Jugar es una actividad libre separada de nuestra vida cotidiana.
2 Jugar nos posiciona en una coordinadas espacio-temporales inciertas.
3 El acto de jugar nunca se lleva a cabo como interactuación lucrativa.
-Sociólogo Roger Caillois. Hace una diferencia entre "game" y "play". Existen cuatro categorías de juego.
AGON: factor de la competitividad.
ALEA: factor del azar (piedra papel y tijera)
ILINK: Infantiles (wipe out)
MIMICRU: Adaptación de roles o cosdplay.
-Brian Button Smita. Está centrado en juegos tradicionales muy vinculados a lo educativo; entrenamiento militar o propósitos utilitarios.
Todo el mundo ha llegado a jugar alguna vez a algo. También se encuentran los juegos independientes que no tienen el apoyo financiero de una distribuidora como por ejemplo; Amnesia o Minecraft.
Pienso que la conferencia nos ha dado un punto de vista bastante interesante sobre este mundo, enseñándonos lo que se esconde tras toda esa cantidad de horas de juego. Personalmente me hubiera gustado mucho que se hubiera detenido un poco más en la práctica, para poder entender y disfrutar de todo lo que nos estaba enseñando.
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