Conferencia de Laura Torrado

Estudió en Estados Unidos y lleva veinte años de trabajo artístico a sus espaldas. Da clase en la Universidad de Cuenca.

Se dió cuenta con el paso del tiempo que las obras que había realizado hace años y sus últimos trabajos, mantenían un diálogo de diferencia. Dándose cuenta de lo dificil que es encontrar un guión de trabajo.

El paso por la UCM, no fue todo lo transcendental en su vida como quería fuese. La universidad de 1970-80 era una universidad machista donde todos eran profesores, nadie debía conversar contigo, se trabajaba con materiales duros y se consideraba que tenías que ser muy habilidoso para seguir adelante en la carrera. Cuando terminó la carrera, salió fuera de España, y gracias a ello continuó con el arte. 

Cuando terminó su carrera en España, decidió irse a Estados Unidos donde entró en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Las posibilidades de tener un futuro en el arte eran mayores fuera de España puesto que apostaban por el arte, al contrario que lo que ocurre en nuestro país. 

Tuvo oportunidad de entrar en el MOMA, centrándose en que quería trabajar en escultura y restauración. Sus trabajos no eran fijos y sin estudios permanentes ni mucho dinero. Su situación es algo que opina que cualquier joven debería experimentar.

Empezó a crear espacios parecidos a las instalaciones donde intervenía hojas y papel, intentando crear un diálogo con el espacio. Utiliza la fotografía como medio, por lo tanto, no quiere hacerse llamar fotografa. Gracias a la fotografía ha ido documentando instalaciones performáticas que han ido evolucionando. Jugaba mucho con el accidente, detrás de la cámara y delante de ella, dándole igual si intervenía ella misma en sus propias obras.  

La frescura de los primeros trabajos no volvieron; por lo que quería jugar con el accidente y la casualidad. El proceso que llevaba era de empezar una idea y acabar con una muy distinta. Solía utilizar naves abandonadas que le resultaban lugares evocadores. Al principio creaba piezas para las paredes y acabó por hacer algo más grande que para que cupiese en una pared. Trabajar para intervenir un espacio crudo con materiales más efímeros.

Influenciada por Ana Mendieta en un momento crucial de su vida.  El arte desaparece si hay demasiado intelecto. Todo lo personal es político.

Pero en España esperamos que el artista sea una especie de narrador social, donde debe mover el arte, como lo hace el periodismo. Intervenía acciones con elementos en su propio estudio e inventaba historias. No buscaba la identidad de uno mismo. 

El artista debe hacer que la sociedad salga de los estereotipos para que no haya fronteras. Lo que vivía, lo utilizaba para construir imágenes. En cierto modo son trabajos autobiográficos. En un trabajo comenzó a relatar lugares que significaban algo en su vida. Más tarde continuó con la naturaleza muerta desde la fotografía, donde lo único que se anuncia es una belleza casi pecadora.

Empezó a querer salir del retrato de sus primeros trabajos, propios de una instalación, donde le importaba poco aparecer con su identidad. Se acaba dando cuenta que no quiere utilizarse ella misma para sus trabajos sino terceras personas.

Conferencia de Bruno Jamaica y Tomoko Hasuwa

Bruno Jamaica

Proyecto de instalación. Quiere crear un espacio donde una escultura se puede tocar utilizando materiales elásticos que permitan que la gente pueda interactuar con ellos. Sus bocetos son parte de origen del dibujo tratando de representar el trazo en el espacio. Modifica las percepciones del espacio y hace que los lugares parezcan más grandes. Realiza sus esculturas con un material flexible.

Otro proyecto que realizó es fuente de la misma idea. Fue su primera intervención en Londres, en una residencia de artistas.

Proyecto en Alemania. Percepción de como el mismo espacio puede cambiar de estructura o percepción. Se encuentra un proceso permanente. Piensa que todo el mundo debe trabajar en lo que hace. Expuso su trabajo en un colectivo donde conoció a otro artista que le interesó lo que hacía. Decidieron juntarse para trabajar juntos. El estaba más basado en algo más clásico, y decidieron hacer una mezcla de estilos.

Cada persona es única en su creación. Es importante esforzarse para que no te rindas. Si trabajas tu obra y no ves que nadie haga lo mismo, es tu única vía de escape descubrir nuevos conceptos. 

-A veces, para representar el dibujo, utilizaba el concepto de la línea que señala el camino cuando te pierdes en el bosque.
-La arquitectura le resultó bastante interesante, realizando direcciones en la escultura. 
-Hizo intervenciones en la ciudad.
-La poesía está relacionada con el proceso creativo.

Tomoko Hasuwa

Pintura al óleo. A nuestra edad, decidió pintar y especializarse en pintura. Mezcla abstracción y paisaje, buscando una estructura compleja donde las líneas se entrelazan formando un tejido donde puedes encontrar formas humanas. 

Cómo ha sobrevivido en Japón desde que salió de la universidad.

2006 
- Se gradúa con especialidad en pintura.
-Sale con ganas de hacer cosas pero no tiene dinero. 
-No sabe como vender obras y entrar en una galería.
-Empieza a trabajar a tiempo parcial, de tele operadora.
-Vívía en Osaka, que es como para nosotros Barcelona donde consiguió un amplio estudio pagando 400 euros al mes de alquiler.

2009
-Comienza a compartir el estudio con otro estudiante con los mismo intereses. Mueven el estudio a Tokyo donde hay más posibilidades de que puedan conseguir algo más, ya que es el único lugar céntrico donde el arte sobresale algo más que en todo Japón. El estudio que encuentran es más pequeño, más caro y sirve además también, para vivir. Lo malo de este aspecto es que las casas japonesas no tienen paredes para colgar los cuadros debido a que no suelen comprar arte para enseñarlo; no forma parte de su cultura. 

Busca un nuevo trabajo como vendedora de productos. Desde su punto de vista, prefiere trabajar en algo no relacionado con el arte para no malgastar ideas. No quiere malgastar ideas hasta que consiga su sueño de vender su obra.

-Empieza a ir a las galerías y la rechazan.
-Desde su punto de vista, hay que hacer las cosas que quieres cuanto antes. No dejar de ir a un mismo sitio sólo porque te hayan rechazado varias veces.
Con el tsunami que aconteció en Japón hace unos años, se planteó que el tiempo es oro.
-El conocimiento del arte en Japón es muy bajo en comparación con Europa.
-Para venir a Europa, ganó un premio con viaje a Londres para hacer un montaje de una exposición. Busca una estancia en los países vecinos, entre ellos España, donde acabó quedándose.

Richard Serra Y Andy Goldsworrthy

Artistas que tratan el paisaje.

Richard Serra

Otra forma de entender el paisaje. Land-art, 1939. Se transforma a si misma. Hace que la gente interactúe de otra forma con las obras. Uno de los escultores más importantes de la historia del arte contemporáneo. Nació en San Francisco. Sus estudios estaban enfocados hacia la pintura. Trabaja con materiales industriales como plomo, caucho y acero. Define sus obras en una serie de verbos: desenrollar, combinar, reparar, descartar, emparejar, exceder, etc.

Andy Goldsworthy

Recoge materiales para realizar obras que forman parte de la naturaleza. No pretender mostrar una naturaleza idílica, y ni siquiera trata de que la obra perdure sino que deja que se destruya si ese es su fin.

Jill Greenberg

Artista y fotógrafa canadiense. Nació en Montreal pero se crío en Detroit, Estados Unidos. Estudio Bellas Artes y se licenció con muy buenas notas. Posteriormente se fue a vivir a Nueva York para forjar su carrera en la fotografía. Más tarde se mudó a Los Ángeles donde conoció su marido Robert.

Seleccionada por la revista Photo para representar a uno de los cuarenta fotógrafos más importantes en la edición de su cuadragésimo aniversario. Ha realizado trabajos comerciales para corporaciones como Microsoft, Polaroid, Disney, etc.

Creó muchas críticas con sus trabajos artísticos, entre ellos la serie fotográfica "End Times" donde retrata a niños llorando. La artista trataba de expresar la frustración por la administración de George W. Bush aunque personalmente pienso que no transmite eso. El método para hacerlos llorar consistía en ofrecerles caramelos y luego quitárselos, criticando su manera antiética de hacer las cosas.

Pero tan crítico parece su trabajo en ciertas ocasiones, como igual de bello en otras. La serie Underwater, da una sensación surrealista y muy poética. Muy parecido al trabajo de Elena Kalis y Zena Holloway, que se dedican a la fotografía acuática.

Por si alguien está interesado en este tipo de fotógrafos del agua, les dejo este par de artistas que personalmente son para mi, un tesoro.

Elena Kalis: http://www.elenakalisphoto.com/

Zena Holloway: http://www.zenaholloway.com/

Entrevista a José Manuel Infiesta

http://diarioelprisma.es/jose-manuel-infiesta-el-gran-error-del-arte-contemporaneo-es-que-ha-querido-destruir-la-tecnica-y-el-oficio/


La entrevista se hace al director del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), centrándose en las obras que éste abarca y la diferencia con otros museos que adoran el arte que destruye la forma. Este director, habla sorprendido sobre como los artistas jóvenes buscan un retorno a los cánones clásicos. 

Se está pagando un nombre, no una obra de arte. 

Hoy en día, el arte convierte a los propios artistas en la propia obra. Comenta el ejemplo del artista Tapies.


"El día que se nombre a un gran artista del país, estará el Señor Tapies pero el día que haya que hablar de lo que la gente, al público, le gusta, no estará Tapies. "


Debido al arte que destruye la forma se están menospreciando artistas que siguen bases clásicas y que valen lo mismo que artistas que se dedican al arte de la abstracción. El arte contemporáneo tiene el valor que cada uno le de, es algo totalmente subjetivo. Ha tenido un camino difícil para poder llegar a la cúspide del éxito, y parece que ahora es el rey de todos los artes, cuando en realidad ni siquiera el 50% de la gente que observa esto, lo entiende. Constantemente he escuchado opiniones negativas en museos que apoyan este arte. Por lo tanto, sigo sin entender por qué tiene éxito cuando a nadie le interesa. 

Pienso que es un arte que te permite reflexionar, dejando de un lado las características que tanto han acompañado al arte clásico: la belleza, la figuración, la estética, el equilibrio, el orden...Una forma más de continuar. Pero también es verdad que se está convirtiendo en algo repetitivo porque está llegando a su fin. 

El arte hiperrealista también se hace un hueco, donde artistas como Don Eddy o Lisa Harper reaccionan a la situación del caos del arte, convirtiendo la fotografía en arte e intentando superarla.

Los artistas de ahora, tienen como maestros a artistas del pasado, que empiezan imitándoles y terminan haciendo su camino para poder continuar. A continuación, José Manuel Infiesta hace una pregunta interesante: ¿Por qué los artistas de Madrid no pueden estar en museos de Madrid?

Él piensa que hay una dictadura de la forma, que se apoya la destrucción de la forma pero no el arte clásico. Debido a esto, hay una gran desconexión entre los intereses creados con poderes políticos y la realidad del gusto de la gente.

Es una entrevista muy interesante de leer, sobretodo porque está hablándonos una persona que sabe de lo que habla, y tiene la suficiente presencia como para que su opinión tenga peso. Te hace reflexionar sobre la situación que está sufriendo el arte actualmente.

Conferencia de Jorg Plickat

http://www.plickat-sculpture.de/

Estudió escultura en la Academia Muthesius en Kiel. Sus obras se han exhibido en exposiciones internacionales. Trabaja en bronce, piedra y acero.  Realiza instalaciones escultóricas de manera permanente en espacios públicos como lagos, plazas o parques. Sus esculturas abstractas suelen ser minimalistas, abarcando figuras abstractas (cuadradas, triangulares, etc) que interactúan entre ellas, ordenadas o superpuestas de manera concienzuda, como si fueran puzzles. Saben entenderse muy bien con su entorno.

Pudimos disfrutar de este escultor alemán veterano en la experiencia sobre el arte, sus obras y cómo ésta se ha ido extendiendo. Realiza figuras abstractas de gran tamaño hablando sobre temas relacionados con el cambio climático. Antes, suele realizar bocetos en programas en 3D que le permite hacerse una idea muy próxima de cómo va escultura su escultura con el entorno. Más tarde comenzó una nueva etapa donde sus esculturas eran flotantes.

En verano de 2010 una de sus esculturas fue presentada en el lago de Constancia, siendo la primera vez que se le presentaba en un lugar internacional. Ese mismo año, la información de sus esculturas llega a China.

En mi opinión, me hubiera gustado poder escucharle hablar sobre el punto de vista que tiene como artista abstracto, la relación que para él guardan las figuras organizadas de la manera en que lo hace. 

Juan Francisco Casas

http://www.juanfranciscocasas.com/

Es un artista que está muy valorado en el mundo del arte. Se licenció en 1999 y le dieron un premio por sacar el expediente más brillante de su promoción. 
Dibujaba a bic desde pequeño para retratar a sus amigas de manera cotidiana. La fama le llegó enseguida hasta el punto de dejar durante un tiempo la pintura al óleo. La mujeres retratadas aparecen en una pose que ellas eligen, con aire rockero o un punto de provocación sexual. Primero las fotografía y después dibuja las fotografías.

Un artista que piensa que con cualquier cosa se puede hacer arte.

 ¿Qué es lo que nos transmite este artista?

Personalmente pienso que inocente no es; trata temas tocando la diversión, la sexualidad, sólo aparecen mujeres, la mujer se muestra como un objeto sexual donde aparece el cuerpo desnudo, con expresiones provocativas y gestos obscenos. 

Edward Burtynsky

Edward Burtynsky es un artista canadiense que realiza fotografías de gran formato de paisajes industriales, dando una visión genérica de la capacidad destructiva que tiene el ser humano para transformar el paisaje. No juzga si es bueno o malo, pero generalmente las visiones suelen dejar sensaciones no muy positivas.

Son paisajes alterados por la industria: relaves de minas, canteras, vertederos. La impresionante belleza de sus imágenes está a menudo en conflicto con los escenarios en situación de peligro que muestran. 

La única forma de no ser destructivo con la naturaleza es no implicarse en ella. Y eso, es imposible a menos que no seas un ser humano.

Rosa y Bleda

Son dos fotógrafos españoles (María Bleda 1968, y José María Rosa 1970) que tratan la fotografía como único autor desde la temática de la huella y la memoria. Realizan paisaje en series de dípticos de distintos temas. Uno de sus trabajos más famosos es el llamado Campos de Batalla que recoge espacios en los que se desarrollaron importantes batallas de la guerra civil española. Trabajan en torno a la huella y la memoria.

 

Para ver más de su trabajo, dejo a continuación su página web: http://www.bledayrosa.com/

Su trabajo se parece mucho en ciertos aspectos con el matrimonio alemán Bernd y Hilla Becher, que realizaban fotografías de arquitecturas industriales con formas idénticas para ponerlas en común.